La oposición de lo contemporáneo en el arte del sonido

Escribe... JM Alvarez | Posteado el 15 octubre 2014 a las 13:37

La música es por seguro la expresión artística más difundida y emblemática del último siglo. Con una popularidad que abarca a todas las culturas, sub-culturas y grupos etarios, el arte del sonido y la industria fonográfica han alcanzado la masividad gracias a la increíble diversidad de estilos, los cuales buscan reflejar tanto las complejidades como lo primitivo del ser humano en su totalidad.

Miles de artistas y millones de obras. Miles de músicos y millones de canciones. A simple vista, la música y sus medios de difusión crean la imagen de ser un arte donde las fuentes creativas son infinitas y no existen mayores fronteras. Sin embargo, es en este escenario donde la herramienta se convierte en aliado pero también verdugo de la expresión.


Etiquetado, envasado y enviado

Como casi en todos los aspectos humanos en la era moderna y específicamente desde la segunda mitad del siglo XX que las artes también han sido víctima de la mercantilización de sus obras y, a lo que corresponde al plano estudiado, la industria de la música se convirtió en el principal vehículo efectivo para difundir la obra a los públicos y al mismo tiempo lograr la satisfacción del artista, o según lo contextualizado por Kandinsky, “la recompensa material que produce su habilidad”(1).

Así es como la apropiación de la música por parte del mercado creó las limitantes a un arte que en un principio se mostraba infinito. Tanto el formato de la obra como la intencionalidad de los artistas se vieron modificados a lógicas de mercado, ejemplificadas en gestos tan comunes y asimilados en la sociedad actual como la duración y constitución de los llamados “sencillos”. Tanto la adoración a la figura de Little Richard como “arquitecto” del rock and roll (2) como la larga lista de éxitos lanzados por The Beatles en su primera etapa son fieles representantes de este proceso.

La década de los sesenta y setenta es un momento crucial en todas las expresiones artísticas, puesto que todas enfrentan un problema directamente derivado del “la modernidad liquida” (3) expuesta por Bauman. Lo que en otras palabras es un “capitalismo liviano que imposibilita las posibilidades del individuo a ser único”, en el contexto de este arte sonoro lo sesga en lo que podríamos llamar las estéticas predefinidas, nunca nuevas ni ajenas al mercado.

Tal es el caso insigne del movimiento hippie, iniciado en los Estados Unidos, fue motivado ante el deseo de dejar atrás la satisfacción y bienestar superfluo añorado en la posguerra para buscar la “libertad”, ideales que fueron absorbido en su totalidad por una sociedad consumista, convirtiendo lo que podía llegar a ser una filosofía de vida en un simple producto ofertado por la moda de ese entonces. Muchos son los ejemplos hasta la actualidad: movimientos como el punk, el new wave y el grunge siguieron el mismo patrón (todos con sus respectivas excepciones, por supuesto).

A partir de la repetición cíclica de contracultura-cultura, se desglosan una serie de preguntas pertinentes a la identificación de expresiones en la música que transgredan los límites de su tan mecanizada industria y sus vicios propios ¿Hay señales de un arte sonoro capaz de transgredir exitosamente lo moderno? ¿Hay alternativas para innovar frente al crudo panorama propuesto ante la sociedad del consumo?

La respuesta es positiva para ambas interrogantes, siempre y cuando se entienda al arte de la música como plataforma multidisciplinaria y se abra a los marcos detrás de estas.



Medidas de oposición

La música ha mutado constantemente en su desarrollo y contexto histórico. Esto se ha fomentado principalmente por su capacidad innata de aprehender de otras ramas artísticas, adecuándolas a su discurso y nutriéndola de mayor significado. Aglutinando soportes tan diversos como lo performativo, lo audiovisual y el didáctico arte de la retórica (especialmente en su expresión sinestésica).

Ante estas características, es incuestionable no pensar que la música moderna tiene las facultades para haberse transformado en un arte de gran potencia reflexiva.

Si bien muchas corrientes tomaron cartas en el asunto a la hora de criticar el panorama

imperante, ciertamente lo que se considera hoy como Rock en Oposición (o en sus siglas en inglés, RIO) fue un caso que escapó de cualquier etiqueta en su época y quebró las barreras de la industria que muchos intentaron traspasar.
“Cinco grupos de rock que las compañías discográficas no quieren que oigas”. Así es como se promocionaba el movimiento en su primera presentación conjunta el 12 de marzo de 1978.

Desde sus orígenes a principios de los setenta, el RIO no responde a una estética previamente establecida o a una corriente filosófica premeditada, sino que más bien respondió a un sentido de emancipación desde el interior de la banda de rock progresivo británico Henry Cow (4) respecto de las limitaciones de las compañías disqueras. Este objetivo se transformó en un germen que se instauró en una serie de otras bandas europeas que compartían el deseo de disponer, distribuir y reafirmar el lazo del artista con su obra, sin mayores intermediarios. 

A pesar de no existir mayores aspiraciones en relación a llevar al RIO hacia otro nivel, una vez que el movimiento relegó su nombre al dominio público, paso a ser utilizado por los críticos de música como una difusa etiqueta que abarca a ciertos grupos vanguardistas, pero que sin duda responden a un arte transgresor que busca perturbar la domesticación del arte conceptual moderno.

Magma (8) es una de las piedras angulares de este movimiento y una de las bandas que han logrado entender las dimensiones creativas de este arte en su totalidad. Principalmente reconocidos por utilizar el kobaiano en sus liricas (un idioma propio creado por Christian Vander (5), baterista y fundador de la banda), su propuesta logró cuestionar a través de su histriónico trabajo todas las bases impuestas por la industria de la música, las cuales han visto coartadas la dignidad creativa de la sociedad: su intencionalidad alude a que no se debe responder más que a las infinitas interpretaciones del espectador frente a la obra.

Hasta hoy, el impacto del RIO ha sido fundamental para mantener la vigencia de una corriente musical orientada solo a la apertura artística y no a los intereses comerciales. Sus diversos exponentes de las más variadas formas del arte, desde la avanzada, pasando por la electrónica, la música folklórica y experimental.

El silencio y el azar 



Si bien el nacimiento del RIO correspondió a una simple acción evasiva a las cadenas de la cultura del capital, es necesario admitir que su trasfondo conllevaba raíces aún más profundas que lo dispuesto a simple vista. La crítica al arte de los sonidos se refiere también a sus extremos: lo que realmente se considera como música.

"No tengo nada que decir y lo estoy diciendo". Así es como sintetiza el intérprete David Tudor la pieza compuesta por Cage el año 1952.
"No tengo nada que decir y lo estoy diciendo". Así es como sintetiza el intérprete David Tudor la pieza compuesta por Cage el año 1952.
Si bien se podría definir a la música en su sentido más amplio a través de la biología como “toda las frecuencias percibidas por el oído humano”, el desarrollo de este arte ha ubicado este paradigma en un nivel de mayor carga espiritual. Es en este plano donde resalta la figura de John Cage y sus trabajos, los cuales reflexionan el sentido de los 2 pilares de la música de forma íntegra: el silencio y el azar.

El gran compositor y multiinstrumentista en su famosa obra 4’33” problematiza la existencia del silencio como pieza musical. Estos tres movimientos mudos apelan a una infinidad de motivaciones, algunas más justificadas que otras, que se centran directamente en la figura del receptor, haciéndolo participe activo de una pregunta que pone en duda una rama del arte en su totalidad.

Por el otro lado, se puede plantear al azar como la solución definitiva a la originalidad. Influenciado por los sistemas de creencias relacionados con una cosmovisión muy ligada a la naturaleza, Cage expone en sus composiciones un contradictorio no-control (7) de la obra y la eliminación de la capacidad de decidir sobre ella. Así, el artista pierde toda intencionalidad, adjudicándole toda la responsabilidad a la naturaleza en sí.


Los dueños de las fronteras

Como producto de lo planteado, se puede afirmar que las fronteras de lo que se conoce como música es un espectro sólo condicionado por la capacidad de reflexión del ser humano, dejando atrás todas las pretensiones que podría entregar factores externos como el mercado, la moda y el “yo”.

Por otro lado, es importante recalcar la propiedad de la obra musical, puesto que en el sentido más contemporáneo es propiedad tanto del autor como del receptor. Si bien existen temáticas comunes, etiquetas compartidas y mensajes explícitos en la gran mayoría del fonograma actual, por ningún motivo se cerrará a una sola interpretación.

En un arte donde las posibilidades son infinitas, es necesario potenciar sus múltiples facetas de expresión. El discurso contemporáneo otorga a la música la posibilidad de mostrarse plena, sin simbolismos. En palabras de Cage,

"Hay que considerar no solo la música hermosa, sino la música que tiene vida en sí misma"


Bibliografía y Referencias

1. Kandinsky, V. (1979) de lo Espiritual en el Arte, P. 12. Editorial Premia. España.
2.“Little Richard, Arquitect of Rock N Roll”. Imagen extraída en http://o.scdn.co/300/8cb97608b07f3abe8cd1d70edf5a884bb80787de3. Zúñiga, A. (2013) Resumen del libro "La Modernidad Líquida", de Zygmunt Bauman. Extraído en http://manuelgross.bligoo.com/20130220-resumen-del-libro-la-modernidad-liquida-de-zygmunt-bauman4. Estilos de música progresiva. http://www.dlsi.ua.es/~inesta/Prog/progclass-e.html
5. Entrevista a Christian Vander. Extraído en http://defutura.blogspot.com/2007/05/entrevista-christian-vander.html6. Pritchett, J. (s.f.) Lo que el silencio enseñó a John Cage: la historia de 4’33’. Extraído en http://www.macba.cat/PDFs/jamespritchett_cage_cas.pdf7. Jurado, R. (s.f.) John Cage: Un nuevo paradigma artístico en las fronteras de la creación. Extraído en http://www.csmcordoba.com/revista-musicalia/musicalia-numero-1/184-john-cage-un-nuevo-paradigma-artistico-en-las-fronteras-de-la-creacion
8. Magma interpretando el tema “De Futura” en París el año 1977. Desde https://www.youtube.com/watch?v=a73XLkf43-s

Reavivándola

Escribe... JM Alvarez | Posteado el 09 octubre 2011 a las 19:26

Se callaron las cuecas. Septiembre trae y se lleva esta clásica tonada criolla que intenta resumir de forma inútil toda la cultura de nuestro país. La cueca es un género simple, no juega demasiado: Existen una infinidad de conjuntos e intérpretes que la tocan, pero son pocos los que escapan del simplemente tributar al sonido de antaño con la manta de huaso y la eterna alabanza a nuestras tradiciones. Hay algo aquí que no avanza... ¿Se podrá reinventar la cueca?

Un género que no progresa es un género que muere. La cueca hoy prácticamente descansa en sus pasados "oficiales", es decir, cuando era la tonada predilecta en los salones de hacienda, en el mercado porteño y hasta en las tierras chilotas. Al final, el interés por retomarla solo sucede en las fechas patrias.

Por suerte, existen los pocos audaces de siempre, que llegaron a una nueva y original fórmula para reavivarla: Cueca y Blues. Pareciera sacrilegio (dirían los Huasos Quincheros), pero no es tan así. Estos dos géneros pueden congeniarse muy bien entre ellos, quizá algo de sus orígenes tenga que ver con ello.

La cueca fue otro producto que trajo el mestizaje en América, un vástago de la indígena zamacueca y del fandango europeo y que en un principio era un ritmo solamente escuchado en los lugares más marginales de la sociedad. El blues es hijo de las discriminadas comunidades negras de Estados Unidos y en su tiempo fue acusada de ser "música diabólica", promotora de actos criminales.

La cueca y el blues comparten originalmente un sonido sucio pero a la vez muy de adentro. Ambos géneros comparten temáticas, eso se puede ver en la nostalgia, el amor, los lamentos y el olor a realidad que los caracterizan.

Empezando en la búsqueda, nos topamos con un viejo conocido, Mauricio Redolés. El poeta-músico/músico-poeta del Barrio Yungay más de alguna vez ha jugado con el blues, por nada el primer tema de su célebre álbum "Bello Barrio" es el "Blues de Santiago". Redolés es un gran conocedor del folclor y cuando toca su canción "Marcando Ocupa'o", reconoce que es un blues y que también es cueca. Aquí una versión en directo desde la mismísima Vega Central...


Otro muy interesado y un dedicado de lleno a jugar con cueca y blues es Luis Le-bert, conocido principalmente por ser mente fundadora de los legendarios Santiago Del Nuevo Extremo. En los últimos años ha grabado varios trabajos de forma independiente bajo el nombre de "Luis Le-Bert & Los Agricultores Del Cosmos". Este proyecto ha tenido una calidad tal que lo ha llevado a distintos países y hasta lo llevó a ganar un premio Altazor este año. Su trabajo dio fruto a quizá la mezcla más perfecta de estos géneros.


La unidad hizo a la música. Estos pequeños experimentos demuestran que se le puede dar un nuevo empuje a las viejas cuecas. Cambian la fórmula, pero la actitud nunca. La cueca es capaz de nacer de nuevo y con nuevos aires.

Da gusto saber que hay todavía quienes no se quedan quietos al ver como desaparecen sus tradiciones. Aún hay muchos buscando distintas maneras de renovar los viejos sonidos, quizá no sea la cueca o mediante un blues, pero sí con sed de reavivarla.

Bulgaria: Un Ejemplo Para El Metal

Escribe... JM Alvarez | Posteado el 09 diciembre 2010 a las 23:07

¿Quien es capaz de ubicar en un mapa a Bulgaria? La mayoría no estaría ni cerca y pensaría que es un país que no tienen porque conocer, una más de esas naciones cero aporte... Pero la cosa cambia para esos fieles del más puro y grandioso metal: Cualquier headbanger sabe que en Bulgaria han pasado los momentos más ÉPICOS en la historia de género. A continuación, unas de las razones del por qué Bulgaria es más metalero que tú...

Inmortalizados

En una pequeña playa llamada
Kavarna (hasta el nombre es metal... lml por eso) todo gira en torno a los sonidos pesados. Es el principal escenario del país, no es menor decir que solo el 2007 hayan pasado gigantes como Sabbath, Mötorhead, Robert Plant, Manowar y DIO (en la memoria siempre viejo!). Este lugar también tiene el equivalente al paseo de la fama, pero de metaleros: el Walk of Rock. Dentro de este, uno de los más impresionantes es sin duda el mural de David Coverdale, grande como él...


Y mientras acá en Chile nos enorgullecemos por estatuas como la del Condorito en San Miguel o un montón de piedras con cara'e na, en Kavarna fue inaugurado a fines del año pasado un enorme homenaje a nadie más y nadie menos que a
Ronnie James Dio, fallecido en mayo de 2009, todo gracias al alcalde que todo headbanger quisiera tener en su comuna, Tzonko Tzonev.



Y Fue En Bulgaria...


Bulgaria es el Edén del Metal, cada vez que toda esta legión de bandas ponen su mira aquí, es para cosas grandes. Claro lo dejan los autoproclamados "Reyes de Metal", Manowar, quienes el 5 de Julio del 2008 rompieron el record Guiness del concierto más largo de la historia del heavy metal, tocando en el primer día del Kaliakra Rock Festival: 5 horas y 10 minutos, es decir, más de 40 canciones, agregando también el himno nacional de Bulgaria, también tocado por estos He-Man de carne y hueso...



¿Quién se hubiera imaginado ver los 4 grandes del metal en un solo escenario? Ese milagro, ese legendario momento no pudo debutar en otro lado que en tierras búlgaras, en el ya mítico Sonisphere Festival de ese año. Slanthrallicadeth (como metafórica y fácilmente les digo), UNIDOS EN UN SOLO ESCENARIO y lo pudimos ver acá, algunos, mosheando en una butaca del Movieland, o como la gran mayoría, viéndolos en su pagina amiga, Youtube...



Queda más que claro que Bulgaria es un país que respira metal, un real ejemplo de como una pasión se incrusta en una sociedad, creando cosas grandes. Por supuesto no sería así si no fuera por tener ciudadanos tan comprometidos con una cultura ya tan parte de ellos. Un aplauso para Bulgaria... un aplauso para un país unido por el gran HEAVY METAL!!




La Parrilla del 21

Escribe... JM Alvarez | Posteado el 20 septiembre 2010 a las 13:45

La espera ya acabó, se tomaron los acuerdos y se aprobaron los proyectos: Ahora disfrutamos (virtualmente) de la música Made in Chile en cada dial sintonizado. El paréntesis da cuenta que aún no vemos el real impacto de esta ley, ya que la algarabía bicentenaria en actual retirada trajo consigo su propia oleada de sonidos de la casa, propia de los bailongos y tugurios de la fecha. Los días siguientes son la prueba de fuego para saber si este mandato estatal realmente se cumple por las radios o simplemente fue un producto más de la magia del Bicentenario...

Queda claro que es bastante complicado para las radios tener entre su parrilla musical una presencia estable de música chilena, que sea del gusto de sus auditores y por cierto, que no se recaiga siempre en los artistas clásicos que todos sabemos. Esto conlleva interesantes desafíos a los radiodifusores, que los veremos prácticamente "saliendo de caza" para nutrir y refrescar sus catálogos musicales. Todos sabemos la infinidad de estilos que se han desarrollado en la escena nacional, de admirable calidad y ya hace mucho dispuestos al recambio de sonidos con los que se ha empezado a experimentar o revitalizar. Nada de eso es un argumento para dejar de lado la iniciativa.

¿Esta ley traerá cambios palpables para la escena nacional? ¿Será suficiente pasar de un 10 a un 20 por ciento? ¿Será respetada a largo plazo? Tantas interrogantes se desprenden y que solo serán respondidas luego del 21 de septiembre, cuando los sonidos bicentenarios se esfumen en la resaca nacional. Tan solo es ver cómo responde, poner oído y rezar para que pase del 21...

Rock Carismático - Parte 1

Escribe... JM Alvarez | Posteado el 15 agosto 2010 a las 14:59

El rock siempre es bueno, pero lo es mejor cuando viene con una pasión adicional: Cuando la expresión y el talento de gran nivel se combinan y dejan espectáculos alucinantes. A continuación, una imperfecta (como toda) selección de los mejores momentos y exponentes que convierten un simple concierto en reales obras de teatro.


Van der Graaf Generator - Lost

Peter Hammill es uno de los vocalistas más carismáticos de la historia de la música, ese es suficiente argumento para incluirlo en la lista. Acompañado de solamente una batería, un saxo y un órgano, Hammill muestra esa poderosa arma que tiene de voz en medio del eclecticismo aún vivo en los 70's...



The Doors - The Unknow Soldier

Hablar de Morrison y The Doors hoy en día ya es una práctica estéril. Su legado en el mundo del Rock se convirtió en una biblia que muchos siguen de forma obligatoria: La pasión por sobre todo. The Unknow Soldier, del disco "Waiting For The Sun" salido en 1968; es todo un montaje cuando es tocada en vivo, teniendo como climax a Morrison fusilado por la guitarra del gran Robby Krieger. Bienvenidos a la celebración del lagarto...



Iron Maiden - Hallowed Be The Name

Saliendo del monocroma llega la pieza maestra de la doncella. Ninguna otra canción plasma tan bien la teatralidad que puede entregar banda de tal calibre. La historia de "Hallowed Be TheName" acompañada por la dramática voz de Dickinson no tienen comparación.



Genesis - I Know What I Like (In Your Wardrobe)

Llegamos a la banda pionera, Genesis, obviamente en sus años mozos con el camaleónico Peter Gabriel a la cabeza, quien hacía que cada show de la banda fuera un viaje alucinante. Gabriel y Genesis sin duda lograron lo más alto, dejaron un gran legado y un largo camino que aún falta por descubrir...




BONUS TRACK: Pink Floyd - Comfortably Numb

Pink Floyd a pesar de ser uno de los gigantes de la música de siempre, nunca destacaron mayormente por su carisma en el escenario (en definitiva, fomes). Hasta que llegó esa gloriosa/maldita gira de The Wall entre 1980-81, donde sacan a la luz el maximo el mejor despliegue escénico visto alguna vez en la historia de los shows en vivo. Comfortably Numb, momento memorable.



Nota: ¿Faltó alguno y surge la sed de sangre en contra de este pobre escriba? No se preocupen, simplemente pongan sus recomendaciones en los comentarios o escribanos por medio del simpatico Twitter. En una de esas nos alcanza para una segunda parte...

Arrianismo Rockero

Escribe... JM Alvarez | Posteado el 04 julio 2010 a las 13:46

El término Arrianismo se define básicamente como la doctrina religiosa , postulada por un sacerdote cristiano llamado Arrio por el siglo III de nuestra era, y que niega rotundamente la existencia de la Santisima Trinidad. Por supuesto que este pobre presbítero fue condenado por tal "herejía" por la Iglesia Católica, al ver que sus ideas iban en contra de lo establecido por la institución... ¿A que todo esto? Es una simple analogía respecto a las últimas noticias en esta orbe de la que somos parte, en donde encontramos a un reinventado Peter Gabriel, quien con su último disco de covers "Scratch My Back", desafía la idea de lo que conocemos como Rock.

A veces pasa que los discos de covers pasan inadvertidos, mirados en menos, pero cuando se habla de un disco de aquellos hecho por un real vanguardista como Peter Gabriel, se nota que algo especial debe traer. "Scratch My Back" es un disco/proyecto del artista donde versiona un listado de otros destacados artistas como David Bowie, Paul Simon, Radiohead, Neil Young, entre otros. Lo nuevo llega cuando decide hacerlo sin los pilares fundamentales del Rock como lo son la guitarra, el bajo y la batería; acudiendo sólo a una orquesta de cámara.

Es cierto, este lanzamiento fue hace varios meses (en febrero de este año), pero la verdad es que cuesta comprender lo que trae esta placa, dotada de una emotividad impresionante y teniendo como responsable, además del mismo Peter Gabriel, el sublime trabajo del productor Bob Ezrin, responsable también del The Wall de Pink Floyd.

Y es en esa misma característica del disco donde recaen sus contras: "Scratch My Back" es demasiado conmovedor, muy anestésico. La respuesta de los críticos y fans del artista no ha sido mala, pero aún existe es elemento que no convence; a este trabajo se le ha reprochado varias veces la falta de percusiones, las lineas omnipresentes de un bajo, la tangibilidad de una guitarra: Falta la Santisima Trinidad del Rock.

Al final, el último trabajo de Gabriel sería una simple lista de canciones ajenas orquestadas si no fuera por la regla primordial de este proyecto donde cada artista elegido por Gabriel tienen la actual tarea de versionar un tema de él. Es eso, lo que convierte a este proyecto en puro y noble Rock: La capacidad de unir y relacionar a tanta gente solamente por ya viejas melodías.

Peter Gabriel sabe como resurgir, siempre con la ayuda de la nueva y fresca idea de música que siempre ha tenido en su genio. Esta vez quizás fue demasiado ambicioso al omitir las bases del Rock, pero su pacto de sangre con éste lo hace un intocable, imposible condenarlo. A pesar de todo, se lleva los aplausos...

Dejo la versión de "Heroes" de Gabriel, original de David Bowie y a uno que ya ha devuelto la mano al artista, Paul Simon, con el clásico "Biko"




Spock's Beard: X

Escribe... JM Alvarez | Posteado el 06 junio 2010 a las 17:51


La reformulación de estos grandes del neo-prog ya no es novedad. Nick D'Virgilio, Alan Morse, Dave Meros y Ryo Okumoto han sabido encaminarse de buena forma luego de la traumática partida de gran Neal Morse, entregando nuevos trabajos con una calidad y espectación que han ido acrecentándose progresivamente. El lanzamiento de "X", su décimo disco, no es una excepción y nos muestra a un Spock's Beard enérgico, potente y deseosos de mostrar sus nuevos sonidos.

Como ya decía, este disco es de una energía desbordante, son ocho cortes totalmente frescos. El primer tema "Edge On In-Between" suena con una potencia pocas veces vista en esta banda, destacan la inspirada voz de Nick D'Virgilio y las muy bien construidas guitarras de Alan Morse, siempre presentes en los diez minutos y medio de corte.

"The Emperor's Clothes" recurre a un viejo truco del grupo como lo son los juegos vocales, muy al estilo Gentle Giant, ecléctico y pop(?) a la vez. Sigue "Kamikaze", un instrumental de altísimo nivel teniendo especial enfoque en los endiablados teclados de Ryo Okumoto. En la canción "From The Darkness" el tema cambia, ya que su duración (casi 17 minutos y la más larga del disco) la hace algo tediosa; personalmente, sobra en el disco.

En la segunda mitad del disco reinan los temas extensos y de corte más prog, siendo "The Quiet House" y "Jaws of Heaven" piezas espectaculares, de variadas atmósferas, donde todos logran la cohesión y son capaces de lucirse de manera individual de la misma forma. Otro a destacar es "Their Names Escapes Me", donde se aplauden los vocales de Nick D'Virgilio, escuchándose realmente cómodo en su labor de cantante principal y también para el excelente trabajo de Meros, quien además de ser el bajista, es ahora el principal compositor de la banda.

En definitiva, es un gran disco, que devuelve la frescura a la corriente del llamado neo-prog. De igual o mayor talla que la de su placa antecesora. La reinvención de Spock's Beard ha terminado, no duden que nos seguirán sorprendiendo.

DIO...

Escribe... JM Alvarez | Posteado el 16 mayo 2010 a las 16:08

Murió la voz más influyente, mas poderosa y más significativa en este mundo que llamamos Rock n' Roll. Una noticia hasta esperable, pero no menos dolorosa para sus seguidores, quienes siempre contaban con su recuperación. Esta vez DIO no pudo lograr matar al dragón, libró su última batalla en este mundo, es tiempo de su descanso muy merecido...


¡SABEMOS QUE NI EL CIELO NI EL INFIERNO SON SUFICIENTES PARA TI! ¡MUCHAS GRACIAS POR EXISTIR!


Mala Idea

Escribe... JM Alvarez | Posteado el 01 mayo 2010 a las 22:08

Son canciones que realmente te provocan cierto asco en el momento de toparte con ellas. Es que es terrible escuchar esos temas mal doblados al español, con pruonunceacioun insoportable y que destruyen canciones, que en su estado original son bastante buenas. He aquí unos artistas y grupos que hicieron ese desacierto no muy lindo de escuchar...
Tan solo sientense, lean y ¿Disfruten?

(Mejor omitan lo ultimo...)

Hombre Triste (Man of Sorrows) - Bruce Dickinson


Es la desdicha hecha canción para un fan de Dickinson. Con todos los "no se debe hacer al momento de doblar una canción" (que parece traducida totalmente del Google Traductor). La original esta incluida en disco "Accident of Birth" del '97.
La canción es bastante buena, pero le falto harto mas ensayo para modular, ya que existen momentos en que no se entiende absolutamente nada.



Vientos de Cambio (Wind of Change) - Scorpions

Luego de la primera vez de escucharla, la suprimí totalmente de mi cabeza, así que el buscar la canción para ponerla acá abrió un viejo trauma que tengo con esta canción.
A pesar de este problema personal, debo reconocer que Klaus se preocupo harto por el tema de modular, pero igual es imposible no escuchar un "Tus huevos..." por ahí. A-TEN-CIÓN



Padre (Father) - Manowar

La canción original es aceptable: Una balada, no muy complicada, inofensiva. El problema llega después, cuando deciden traducirla y cantarla en ¡¡¡16 IDIOMAS!!!!
Esta versión en español parece más una canción evangelica que una canción de Manowar. Muy mala idea...



Realmente no puse más temas porque si me acordaba de algún otro, era razón para terminar con mi vida. El tema ya quedo claro...

El Circulo Completo

Escribe... JM Alvarez | Posteado el 21 abril 2010 a las 20:43

Fue una mensaje tajante y directo hacia sus fanáticos: Scorpions, luego de lanzar su último disco "Sting in the Tail", terminaría su carrera de más de 40 años, llena de himnos rockeros y guitarras salvajes. ¿Un Error? Para nada, es una decisión radical pero certera, pues así logran terminar su ciclo, volviéndose así parte del grupo de bandas que lograron abrir y terminar su carrera de forma brillante. Cosa que al final duele, pero los deja como reales consagrados de la historia del rock.


(( Personalmente, esta noticia me llegó mucho (dejando de saldo su par de lagrimitas, es cierto...) y desconozco el por qué realmente, ya puede que para cualquiera Scorpions sea una banda clásica más que se ve víctima del peso de los años. Pero hay algo que yo encuentro en ellos, en Klaus, Rudolf, Matthias, James y Pawel; es una actitud, mas allá de la rockera, y que realmente admiro: Su perseverancia a través de los años, su euforia que descargan en lo que realmente saben hacer y, ahora último, su capacidad de tomar buenas decisiones, aunque se necesite mucho esfuerzo y sacrificio para tomarlas. ))

Y si que es sacrificio asimilar esta decisión para la banda, ya que luego del término de su tour de despedida, le dirán adiós también a sus conciertos, a la mirada emocionada de sus fanáticos y el complacerlos con entregarles nuevos trabajos y álbumes.

Pero lo pongo de otra manera... ¿Que hubiera pasado si no hubieran anunciado el retiro ahora? Probablemente harían lo que cualquier banda: Girar eternamente con sus exitasos, sacar cada vez menos material y de menor calidad que a la larga producen quiebres por estar juntos tanto tiempo, etc, etc. En el fondo, verlos envejecer de mala manera. Algo que, obviamente, a nadie le gustaría presenciar. Ellos ya lo hicieron todo y eligieron lo más sabio y difícil que se haya hecho alguna vez en la historia del rock: No precipitarse, Mirar el Camino Recorrido, Cerrar el Circulo.

Recorran el mundo, invoquen huracanes con la misma emoción, enloquezcan a sus fanáticos y afirmen su legado. Solo necesitan un picotazo en la cola...